De funcionalista a orgánico: 30 años de Juan O’Gorman

por Juan José Kochen / @kochenjj  Fuente Arquine

De funcionalista y radical a orgánico y regionalista, Juan O’Gorman (1905-1982) conjugó un producción arquitectónica relacionada con el arte, siendo el miembro más joven de la generación de muralistas destacados mexicanos, entre Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

Ayer se cumplieron 30 años de su muerte, el 18 de enero de 1982. O’Gorman no sólo es uno de los arquitectos más destacados del siglo XX, sino a quien se le atribuye la primera obra funcionalista en Latinoamérica en 1929. O’Gorman se graduó de la Escuela Nacional de Arquitectura e 1925 y trabajó con José Villagrán y Carlos Obregón, al mismo tiempo que tomaba clases de pintura. Su obra arquitectónica se divide en dos grandes periodos: la arquitectura funcionalista y radical, realizada entre 1928 y 1936 y la arquitectura orgánica y regionalista entre 1945 y 1956.

O’Gorman introdujo los postulados del funcionalismo y principios estéticos desarrollados por la Bauhuas: fachadas y plantas libres, ventanas anchas de corte horizontal, pilotes, existencia de azoteas. Su primer obra fue la casa de Cecil O’Gorman en 1929, seguida por la casa de Edmundo O’Gorman en 1931 y la casa estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo en 1932, mismo año en el que fundaría la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del IPN.

En 1933 participó en las Pláticas sobre arquitectura organizadas por la Sociedad de Arquitectos Mexicanos. En su polémica conferencia dijo que “la arquitectura que resuelve las necesidades materiales, palpables, que no se confunden, que existen, pudiéndose comprobar su existencia y que, al propio tiempo, son fundamentales y generales de los hombres, es la verdadera y única arquitectura de nuestra época” (1)

Proyectó varias casas más para intelectuales de su época como la de Frances Toor y Julio Castellanos, así como 33 escuelas públicas –mientras estuvo al mando del Departamento de Construcción de la Secretaría de Educación Pública- que destacaron por la estandarización de los procesos constructivos y una síntesis de los elementos arquitectónicos reduciendo los costos y tiempos de construcción.

Su etapa orgánica con principios regionalistas, en sus palabras, es una “manifestación artística que tiene relación directa con la geografía y la historia del lugar donde se realiza. Así pues la arquitectura se convierte en el instrumento armónico entre el hombre y la tierra, reflejando la forma y el color del entorno donde se ejecuta la obra” (2)

Los murales de mosaico de piedra de la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria en 1949 y su casa en San Jerónimo para 1953 se erigieron como las dos obras insignes de este segundo periodo. De un pensamiento ortogonal y funcionalista, incluso con cactus perfectamente alineados y simétricos, O’Gorman pasó a una concepción organicista y onírica con motivos ornamentales naturales y tradicionales de la arquitectura mexicana.

Entrevista a Moneo: “Confundir arquitectura con obra de arte da lugar a muchos excesos”

Max Aub dijo que uno es de donde ha hecho el bachillerato“. Rafael Moneo (Tudela, 1937) recuerda esta frase para hablar de su infancia y su pueblo, de las calles, plazas y viviendas navarras, de la importancia que tiene la geografía para un arquitecto: “Nacer en un pueblo, crecer en un lugar con contornos bien definidos, geográficos y sociales, sin duda ayuda a entender lo importantes que son los límites, las condiciones de partida, tanto para la vida como para un proyecto. Conocer las ciudades es siempre necesario para iniciar una obra de arquitectura”. Uno de los trabajos que tiene entre manos lo mantienen cerca de casa. Es el Museo de la Universidad de Navarra que prevé inaugurar en otoño del 2013.

El encargo le llegó de la coleccionista María Josefa Huarte, cuya colección (Colección Fundación Beaumont) en su día fue el germen del intento fallido de crear un Centro de Arte Contemporáneo en Pamplona. Moneo resume el periplo: “Había trabajado con ella en una posible sede para su colección desde hace muchos años. Se exploraron diversas alternativas. Del Señorío de Sarría en Puente La Reina a la Ciudadela de Pamplona, pasando por la cesión de la colección a algún museo. Al final, María Josefa Huarte entendió que la Universidad de Navarra ofrecía la cercanía académica y la continuidad que deseaba. Y se decidió por ella. La Universidad entendió que era también la ocasión de incorporar al Museo la espléndida colección de fotografía con la que cuenta y que tiene su origen en el Legado de Ortiz de Echagüe. Y se ha completado el programa con un Auditorio y con alguna otra dependencia académica. Se trata, por tanto, de un Museo típicamente universitario. Algo que es muy frecuente en las universidades americanas y no tanto en nuestro país”. No será el primer museo que firma el prestigioso arquitecto español, Premio Pritzker de Arquitectura en 1996. El Palacio de Villahermosa del Thyssen y la ampliación del Prado, entre otros, también salieron de su estudio.

Pregunta.- ¿Qué supone para un arquitecto construir un museo?
Respuesta. – Al final del siglo XX, sobre todo en las décadas de los 80 y los 90, los museos se entendieron como aquel programa en el que los arquitectos podían moverse con mayor libertad. Ello dio lugar a que en muchas ocasiones la arquitectura prevaleciese frente a las colecciones. Y tal circunstancia, dado que en efecto hubo muchos excesos, ha tenido su contrapartida y hoy los museólogos son muy celosos de lo que es su trabajo, habiéndose limitado así las licencias que se tomaban los arquitectos. Los museos son hoy espacios más neutros, pero aún así la condición pública de un proyecto como un museo hace que éstos sean encargos del más alto interés. Y siempre hay matices que los hacen ser singulares a pesar de la neutralidad de que hablaba. En el caso que nos ocupa, para mí es muy importante que el museo satisfaga las expectativas que María Josefa Huarte tiene para su colección, para cómo ésta dé testimonio de lo que fueron los afanes estéticos de una generación.

P.- Entonces, ¿qué es lo que en un museo no puede fallar?
R.- Cumplir con los estándares de conservación de las obras de arte y buenos servicios del museo es fundamental.

P.- ¿Un edificio debe hablar del arquitecto que lo ha proyectado? ¿Hay firmas visuales en la arquitectura?
R.- La arquitectura aparece tanto en la construcción anónima, en lo que cabe calificar como prosa de las ciudades, como en aquellos momentos singulares en los que la atribución a un individuo de la obra es obligada. ¿Cuál de estas dos arquitecturas diversas tiene más valor? Debo decir que siento tanto respeto por la una como por la otra. Es cierto que la última arquitectura, en los últimos decenios, la voluntarista confusión de la arquitectura con la obra de arte ha dado lugar a muchos excesos y a una búsqueda de expresión personal muchas veces frustrada.

P.- Ha dicho en alguna ocasión que “lo hermoso de la arquitectura es cuando no tiene tanta necesidad de hacerse presente”. ¿Qué valor tiene para usted lo que pasa desapercibido, la sencillez? ¿Cree que es posible una arquitectura antimonumental?
R.- La arquitectura anónima convive con la obra singular. En ambas puede encontrarse todo aquello que se pide a una obra de arquitectura. Una gran obra de arquitectura acaba estando tan incorporada al medio que no reclama atención. Se la entiende como parte de él. Es lo máximo a lo que puede aspirar una obra de arquitectura.

P.- Los espacios interiores que diseña son bastante particulares y complejos. ¿Diría que ese es su mayor rasgo distintivo?
R.- Lo que se llamó en el siglo XX “arquitectura moderna” pretendía no hacer distinción entre interior y exterior. La obra de arquitectura disfrutaba de una autonomía tal que llevaba a ignorar el medio en el que se incluía. Siempre he creído que esto no era así. Que la obra de arquitectura debía contar con el medio -ciudad o paisaje- y que su inclusión en él propiciaba la distinción entre interior y exterior de que antes hablaba. Un proyecto puede así resolverse desde la condición urbana y ser en su interior otra cosa. Esta inesperada e incierta relación entre interior y exterior es para mí uno de los alicientes de la obra de arquitectura. De ahí que a veces un edificio cumpla con una misión en el ámbito urbano que no anticipa la complejidad de los espacios interiores. La luz, naturalmente, juega siempre un papel mediador entre interior y exterior.

P.- Dicen que en España hay tanto arquitecto parado porque todo el trabajo lo tiene Rafael Moneo. ¿Cómo se toma eso?
R.- Quien así habla está mal informado. Responder a esta pregunta exigiría, en primer lugar, recordar que una obra de arquitectura, un proyecto, dura siempre más de siete años. Ello quiere decir que algunos de los trabajos en los que estamos ocupados en el estudio son encargos antiguos. La crisis ha hecho mella en todos y, en efecto, no hay tantos nuevos posibles encargos. La única obra reciente en marcha que tenemos en este momento en España es la Ampliación de la Estación de Atocha. Un trabajo, por otra parte, que entraría dentro de la categoría de proyectos anónimos que comentaba antes. En segundo lugar, habría que hacer constar que apróximadamente la mitad del trabajo del estudio es fuera de España. En todo caso, y hasta ahora, no hemos reducido el tamaño del estudio.

P.- ¿Qué se espera de la arquitectura hoy en día?
R.- Algunos reclamarían la novedad y con ella la condición espectacular que seduce. Otros, la contribución de la arquitectura a una construcción racional en el planeta, lo que implicaría, a mi modo de ver, establecer la continuidad con lo construido. Particularmente, me considero más próximo a éstos que a los primeros.

P.- ¿Cómo está viviendo la arquitectura este momento de globalización? ¿Aporta mayor internacionalización para la arquitectura española?
R.- La globalización ha llegado en un momento en que la arquitectura española gozaba de una cierta visibilidad. No es raro encontrar arquitectos españoles trabajando en una escuela, dando conferencias, formando parte de jurados, construyendo, etc., fuera de España. En estos momentos de crisis esta apertura al exterior es todo un alivio.

R.- Para alguien tan apegado a su tierra natal, ¿qué sentido tiene para usted la idea de “no lugar”?
R.- Hace siglos, miles de años, que la arquitectura no ha estado estrictamente localizada. Basta pensar en la arquitectura Romana, en el Gótico, en la difusión de la arquitectura en el Renacimiento, para entender que la arquitectura ha sido un conocimiento compartido, extenso. En un momento como el actual, naturalmente, la discusión de los problemas que tiene la arquitectura es global. Todos participamos en él. Pero ello no es óbice para que ese modo común de entender las cosas encuentre acomodo, se ajuste a un lugar. Hasta el extremo que quepa decir que el lugar es el origen de la arquitectura. Los “no lugares” actuales, sólo hasta cierto punto, lo son.

P.- Ha confesado que no sólo tiene pasión por la arquitectura, sino también por la pintura. ¿Sigue encontrando tiempo para pintar? ¿Qué es lo último que ha dibujado?
R.- Dibujo todos los días, todavía me gusta ayudarme del dibujo para entrever lo que una arquitectura puede ser. Y ello me lleva a dibujar continuamente. Desgraciadamente pinto poco. Pero la pintura sigue atrayéndome, así como muchas otras cosas, la lectura, viajar por España, beber un buen vino.

P.- ¿Qué otros proyectos le mantienen ocupado?
R.- Como ya he mencionado, la Ampliación de la Estación de Atocha y la finalización de un complejo edificio público en Toledo, así como un pequeño hotel en el centro histórico de Barcelona. Fuera de España está en construcción un importante laboratorio para Neurociencia en la Universidad de Princeton y están a punto de finalizarse los “souks” en Beirut. Así como una intervención compleja -vivienda, comercio- en el corazón de Udine.

Fuente: el Cultura.es

CCTV / Creative Control

CCTV /Creative Control es un proyecto del arquitecto y artista Marcos Zotes, afincado en Nueva York. CCTV/Creatve Control busca cuestionar los mecanismos de opresión  en la ciudad a través de la apropiación temporal del espacio público. Esta exhibición formó parte de la “Nuit Blanche”: Bring to Light New York 2011 el 1 de Octubre en Greenpoint, Brooklyn. A continuación se puede ver un video de esta muestra.

La intervención consiste en una proyección de vídeo que muestra un ojo de gran tamaño en la superficie inferior de un depósito de agua a una altura de 10 pisos, en Milton Street, Brooklyn, Nueva York. La torre era el punto más alto de la zona, hasta que quedó eclipsada por los nuevos planes, actualmente es considerada como una reliquia del pasado industrial del barrio.

La intervención temporal  transforma este hito emblemático en una torre de CCTV discernible, se plantean cuestiones de control privado sobre el espacio público en el contexto urbano. Al intervenir en el orden cotidiano de la vida urbana contemporánea, CCTV / Control Creativo tiene como objetivo producir dos momentos de antagonismo, aunque transitorios, y encontrar nuevas formas de uso en la ciudad, no sólo como consumidores, sino como creadores.

Para ver más imágenes pincha aquí.

Fuente edgargonzalez.com / AZAILA

Ciudad de las grapas

El artista Peter Root ha utilizado 100.000 grapas para construir una ciudad en miniatura en el piso de un atrio de un banco en la isla británica Channel, con el material de oficina omnipresente… , imitar una gran ciudad con rascacielos de 4 pulgadas de altura, edificios de baja altura y todo lo demás.

Para la obra – llamada “Ephemicropolis” – Root trabajo durante 40 horas, meticulosamente reconstruyendo la ciudad imaginaria. Eso no fue fácil, porque el más mínimo gesto errante podría haber hecho el colapso de la ciudad como un conjunto de fichas de dominó.
Pedro Root

Peter Zumthor y Louise Bourgeois “memorial a las brujas en Vardø”

Esta obra solemne del arte y arquitectura (como se muestra en construcción en mayo de 2011) honra a las víctimas de los juicios de brujas del siglo XVII en Vardø (Noruega), por encima del Círculo Polar Ártico alcanza en el noreste de Noruega. Este sitio inquietante es iluminado por el sol de medianoche y narrado por las llamadas de las aves marinas ….
Espera un poco a que se cargue el video

HOY conferencia en el CCAU: Pequeñas historias de rompimientos entre arte y vida. Una revisión imperfecta.

Conferencia en el Centro para la Cultura Arquitectónica y Urbana A.C. hoy jueves 26 de mayo a las 20:30hrs. Entrada libre.

En el trabajo de artistas como Kurt Schwitters, John Cage, Allan Kaprow, Dan Graham o Jorge Pardo es evidente la problematica de la division tradicional entre arte y vida cotidiana. A través de distintas prácticas creativas que privilegian la habitabilidad o la interección con el espectador sobre el objeto autónomo y pasivo, estos artistas comparten su inclinación por la interdisciplinareidad como una forma de estudiar la complejidad de los comportamientos sociales y de los sistemas de pensamiento. Éstos trabajos ponen de manifiesto cierta tendencia en las producciones artistas del siglo xx que estaba encaminada a romper la division entre arte y vida, y a entender la realidad como un complejo flujo de interpretaciones y visiones. Para este conferencia se realizará una revision de obras de estos artistas poniendo énfasis en producciones con caracter arquitectónico o espacial.

Impartida por: Jorge Méndez Blake (Guadalajara, México, 1974).

Artista visual. Su trabajo es un híbrido entre literatura y arquitectura, intereses que usa como punto de partida para investigar diversos aspectos de la cultura, como la literatura clásica y moderna, la historia de la arquitectura, la evolución de las bibliotecas y el paisaje.